Guitar Trio (1977)
for electric guitars, electric bass and drums
by Rhys Chatham
Performance instructions
The version on the recording is from the early eighties and is only eight minutes in length. We are going to do a version that is twenty minutes, which is what we did prior to 1982. In the original (long) version, slides by the visual artist Robert Longo were shown, which we will do for this version as well. Additionally, we will be doing the piece with a minimum of 6 electric guitars, electric bass and drums.
General background and orientation:
The primary melodic and harmonic vocabulary for this piece consists of the overtones generated by the electric guitar. As we all know, there are many ways to get overtones out of a guitar. In , we elicit different overtone areas by playing over pre-determined frets on our fretboard.
If you play a low E with a medium gauge flatpick at a steady eighth note rhythm (at between 126-132 bpm) directly over the 5thfret, you’ll hear one set of overtones in addition to the fundamental frequency (low E). If you play over the 7th fret, you’ll hear another. So the way we get melodies in this piece is to play for 8, 16, 24, 32 or 64 beats (any multiple of 8, really) directly over each of these respective frets, thereby shaping the sonority of the composite waveform of the frequencies that your guitar is generating in relation to the other guitars of the ensemble.
The frets that seem to work best for this music are the 5th, 7th, 9th, and 15th frets. Play over them for multiples of 8 beats and try to make varying melodies with the overtones. You’ll hear it, don’t worry. And through subtle inflections of your picking technique, you can elicit different overtone regions, even within the context of the same fret!
In addition to these frets, from time to time, the 3rd, 12th and 17th frets can also be played.
So basically, you’ll be playing over the dotted frets on your guitar. In this band, we play using the “dot system.” ;-)
Do this on your own at first, then do it with the recording, if you want to get a head start on things. In performance, you will have to listen constantly to how your sound affects the overall sonority of the ensemble.
Because the overtones generated by the guitar are quite soft, it is for this reason that we play G3 (Guitar Trio) at relatively high volume levels, in order to hear the subtlety and poetry of the soft overtones (i.e. we play this piece LOUD!). You’ll want to significantly boost your guitar in the frequency area of 1.2k (mid-range frequency) if you have a bandwidth booster box, or on your amp. Otherwise, set the midrange on your amp to a high setting. Set the treble boost on your amp to “high,” if you have one.
Those with sensitive ears or tinnitus can use earplugs (the “EAR” brand is highly recommended…) during the rehearsal and possibly as well as for the performance.
On your guitar, use the pickup setting closest to the bridge of your guitar.
There are three sections in the piece to learn, which we will do at the rehearsal/soundcheck.
They are:
1. The “one-string section,” where we play solely on the low E string of the electric guitar at a moderate tempo (126-132 bpm);
2. The “three-string section,” where we play low E, a “B” (on the A string), and an E (on the D string), i.e. an E1/B/e2 power chord (the other strings are damped);
3. The “six-string section.” Here we play all six strings in an Em7 chord. You just have to finger a B on the A string, the rest is open. So the pitches are: Low E1 (open), B, d (open), g (open), b (open) e3 (open).
Strumming technique:
In the one-string and three-string section, we use a combination of 8th and 16th notes for the basic rhythm (listen to the record for ideas). But during the three-string section, in addition to the basic rhythm, we also tremolo (i.e. 32nd notes). So be sure to practice your tremolo technique along with the CD. Be prepared to play a tremolo for a sustained period during six-strings at a tempo of at least 144 bpm.
So basically, you make up your own rhythmic patterns throughout this piece, forming a logical counterpoint to the rhythm you hear me playing on the recording.
Here is the form of the piece:
The first time we do the piece, which will last around 20 minutes, the drummer only plays high hat. The bass player plays exactly like on the recording, except the events unfold over a longer period of time, but the riffs used should be like those of the recording (originally played by Michael Boone Brown in 1982).
First we play on one string. We start with just me, the drummer and bass player, and then I cue in the guitarists one by one, so everything is really relaxed in terms of entrances.
Then, after a time, I start playing on 3-strings in advance of everyone else, and on my cue, the entire band (meaning the guitarists, since the drummer and bass are always playing) come in on my cue, all together, REAL SOFT (!!!) and take 16 bars of 4/4 to get real LOUD (i.e. a 16-bar crescendo on three strings (E/B/e2) from the “1-string section” into the “3 string section”).
We play the “3-string section” for a while (4 minutes, maybe), then I start playing on 6-strings by myself. Then, on my cue, we do the same thing as before: Everybody comes in together on 6-strings, really softly, and does a 16-bar crescendo to full volume (i.e. loud-as-fuck!)
This section will go on for a while and is fun to play.
After this 6-string section, on my cue, everybody cuts out except me and the drummer. When we cut out (on a ring, i.e., an open 6-string Em7 chord on the downbeat), I will be playing softly on one string (low E), and then we repeat the above form once, with exactly the same cues, but the sections will be a little bit shorter the 2nd time through.
When we get to the end of 2nd time through, I give a cue and we play a final chord on the downbeat (i.e. I go: “one ---, uh two ---; uh one, two, three, four, FINAL HIT), which we let ring into silence.
And that’s the end of the piece. <applause>
Then, after the applause, we announce the names of the players, and then say we’re gonna do another number. And we do the same piece, EXACTLY the same piece… AGAIN! Except this time, the drummer will be playing on the full kit. And we will show the slides by Robert Longo.
The experience in doing this a second time will be completely different and MUCH more intense. The first 20-minute version is usually kind of lyrical and delicate (relatively), since the drummer is only playing on the high hat. But with the full kit, everything changes.
I must say, that writing these instructions out like this makes play the piece sound MUCH more complicated to play than it in fact is. In this century (the 21st ), it has never taken more than an hour to teach G3 to everyone’s satisfaction and comfort level. So please don’t worry about anything.
A special note to the drummer:
For the first set on the high hat, you can start out with a basic quarter note beat, and gradually, over the 20-minutes, get more complex and frilly, evolving into a kind of Max Roach kind of high hat solo kinda thing, maybe. Anyway, may the force be with you, it always works out fine. Don’t worry too much about this section, you’ll know what to do by instinct, I promise.
For the second set, hit the drums real hard, yet somehow poetically. The snare drum sound has gotta be AWESOME… I like LOTS of fills, so pull out every over-the-top fill lick you know and use it in this piece. Lots of ride and crash cymbals. Don’t be afraid, out of politeness, to be a rock n roll hero, i.e., don’t hold back.
What I’m saying here is that this piece is essentially a 20-minute solo for you, first on high hat, then on the full kit. Listen to the record to get an idea of what I’m after. The recorded version (David Linton), though the definitive one and completely inspired, was a bit tamer in terms of fills than the one Jonathan Kane (of Swans fame, who joined the band later) used.
Anyway, you get the idea, I’m sure you’ll do great.
For the 2nd version with the full kit, I’d like you to do the entrances at the beginning of G3 and at the break in the middle (where the guitars cut out), pretty much the same way as on the recording.
A special note to the bass player:
Listen to the recording to get ideas what to play. I’d like your entrances at the beginning of the piece and at the break in the middle to be exactly like on the recording.
Preferred equipment:
G3 sounds best on a Fender Telecaster or Stratocaster, or a G&L. However, it must be noted that whammy bars on Strats affect the tuning, so they should be avoided (whammy bars). Bring a guitar with a Fender kind of sound, if at all possible. If all you’ve got is a Gibson (which we also like, though for other purposes), we’ll live with it.
A digital tuner is necessary, one that you can refer to during the performance, in case you go out of tune over the 20 minutes we will be playing. Please borrow one, if you don’t own one already.
A medium guitar pick works best because there is a lot of fast tremolo work in this piece. I HIGHLY recommend the Jim Dunlop 60 mm (orange) pick. It is the one the works best for G3.
100 watt amps work best for this piece. If at all possible, it should be a clean amp, a distorted sound does not work well with G3. If the only 100 watt amp you have is a Marshall, then turn the preamp down to “2” and you can turn the master up high. To give you an idea, for this piece, I use a Roland Jazz Chorus 120. But any amp can work as long as it is clean.
The bass player in my bands usually goes through a big Ampeg or Trace-Elliott (400 watts minimum).
Here is a chart of the cues given in the piece, you can consider this the “score”:
Score
One-string section
1. RC & drummer enter together (no bass) on 1-string.
2. Rhys brings the guitarists in, one-by-one.
3. Bass enters then on Rhys’ cue (in 2nd version drummer brings in backbeat here).
4. Everybody plays 1-string for quite a while (c. 5 minutes total).
Three-string section
5. Rhys enters on 3-strings (alone, while everybody else continues on 1-string).
6. On RC cue, all guitarists enter on a 16 bar crescendo into 3-strings (soft to loud).
7. We continue together with 3-strings (c. 3 minutes total).
Six-string section
8. Rhys enters on 6-strings (alone, while everybody else continues on 6-string).
9. On RC cue, guitarists do a 16 bar crescendo into 6-strings.
10. We continue together with 6-strings.
11. Drummer should watch out for RC cue: on cue, he should take a 32 bar drum solo (consisting entirely of fills).
12. We play for about 32 or 64 more bars (depending) after the drum solo, and then cut out on Rhys’ cue. The cutoff will be on the downbeat (on a 1), let the chord ring into silence. Which will reveal Rhys and the drummer playing on one string (4 minutes total).
Repeat the form (but the sections will be a bit shorter).
For then ending in 6-strings 2nd time through, the drums can play the solo like before, but after the solo, end on a really driving back beat riff (refer to the record for ideas). After 32 bars, we all end on the downbeat (which I count off), and let the chord ring.
1st 20 minute version: high hat only.
2nd 20 minute version: full kit + RL slides.
Guitar Trio (1977)
pour de nombreuses guitares électriques,
basse électrique et batterie
Rhys Chatham
Instructions de jeu :
La version de l’enregistrement date du début des années 1980 et ne dure que 8 minutes. Nous allons jouer une version de 20 minutes, ce que nous faisions avant 1982. La version originale (la longue), tout comme la nôtre, s’accompagnait en outre d’une projection de diapositives du plasticien Robert Longo. Enfin, nous jouerons cette pièce avec un minimum de six guitaristes, une basse et une batterie.
Généralités et orientation :
Le vocabulaire mélodique et harmonique fondamental de cette pièce est constitué des harmoniques de la guitare électrique. Nous le savons tous, il y a beaucoup de façons de produire des harmoniques. Pour Guitar Trio (G3), l’idée est de faire naître les différentes harmoniques de la guitare en jouant sur des frettes prédéterminées.
Si vous jouez un mi grave avec un médiator de calibre moyen à un rythme de croches régulier (à environ 126-132 bpm) directement sur la 5e frette, vous entendrez, outre la fréquence fondamentale (votre mi grave), tout un ensemble d’harmoniques. Si vous jouez ainsi sur la 7e frette, vous en entendrez un autre. Pour obtenir des lignes mélodiques, l’idée est donc de jouer pendant 8,16, 24, 32 ou 64 (ou n’importe quel multiple de 8) temps directement sur chacune de ces frettes et de former ainsi une onde sonore complexe, constituée des fréquences induites par votre jeu ainsi que par celui des autres guitaristes du groupe.
Les frettes qui semblent fonctionner le mieux pour cette musique sont les 5e, 7e, 9e et 15e. Jouez sur ces frettes pour des multiples de 8 temps et essayez d’obtenir différentes mélodies en jouant avec les harmoniques. Vous les entendrez, ne vous inquiétez pas. Avec de subtiles variations de votre technique de jeu, vous pourrez même obtenir plusieurs harmoniques pour une même frette !
En plus de ces frettes, vous pouvez jouer de temps en temps sur les 3e, 12e et 17e.
Donc, finalement, jouez sur les frettes marquées d’un point sur votre manche. Dans ce groupe, on joue en utilisant le “système à points”. ;-)
Dans un premier temps, jouez tout cela seul, puis, si vous voulez prendre de l’avance, avec l’enregistrement. Durant le concert, vous devrez en effet constamment écouter la manière dont votre jeu affecte la sonorité de l’ensemble du groupe.
Les harmoniques produites par la guitare étant plutôt faibles, il est nécessaire de jouer G3 (Guitar Trio) à un volume relativement élevé afin de rendre perceptible la subtilité et le caractère poétique des harmoniques les plus faibles (en clair : nous jouerons cette pièce à un volume TRÈS élevé). Vous aurez à régler votre guitare dans la zone de fréquences 1,2 kHz (gamme de fréquences medium) si vous avez une pédale “equalizer” ou bien sur votre ampli. Sinon, réglez le “midrange” de votre ampli sur 7 ou 8. .;-) N’hésitez pas à ajouter du “treble boost”, si vous le pouvez.
Ceux qui ont les oreilles sensibles ou bien des acouphènes peuvent utiliser des bouchons d’oreilles (je recommande la marque “EAR”) durant les répétitions ainsi que pendant le concert.
Sur votre guitare, utilisez le micro le plus proche de votre chevalet.
Pour cette pièce, il y a trois sections à apprendre, ce que nous ferons lors de la répétition/balance.
Dans l’ordre :
1. La section “une corde”, pour laquelle nous jouerons uniquement sur la corde de mi grave à un tempo modéré (126-132 bpm) ;
2. La section “trois cordes”, pour laquelle nous jouerons la corde de mi grave, un si (sur la corde de la) et un mi (sur la corde de ré), c’est-à-dire un power chord noté E1/B/e2 (les autres cordes sont étouffées).
3. La section “six cordes”. Pour celle-ci, nous jouerons un accord de Em7, mais d’une manière assez spéciale : nous nous contenterons de jouer un si sur la corde de la, les autres cordes étant à vide. Les hauteurs (notes) seront donc : mi grave (à vide), si (sur la corde de la), ré (à vide), sol (à vide), si (à vide) et mi aigu (à vide).
Technique de jeu :
Pour les sections “une corde” et “trois cordes”, le rythme de base est constitué d’une combinaison de croches et de doubles-croches (écoutez l’enregistrement pour vous faire une idée). Durant la section “trois cordes”, s’ajoutent à ce rythme de base des trémolos (c’est-à-dire des triples-croches). Faites attention à bien travailler votre technique de trémolo avec le CD. Pour la section “six cordes”, préparez-vous à jouer un trémolo long et continu d’un tempo d’au moins 144 bpm.
Finalement, inventez vos propres figures rythmiques tout au long de la pièce, en formant un contrepoint logique au rythme que vous m’entendez jouer sur l’enregistrement.
Structure de la pièce :
La première fois que nous jouerons la pièce, qui dure environ 20 minutes, le batteur ne jouera que sur sa charleston. Le bassiste jouera comme sur l’enregistrement, plus longtemps bien sûr, mais avec les mêmes riffs (d’abord joués par Michael Boone Brown en 1982).
Nous jouerons tout d’abord sur une corde. Je commencerai seul avec le batteur et le bassiste, puis je ferai entrer les guitaristes un par un ; ne vous inquiétez donc pas pour votre entrée.
Après un certain temps, je commencerai, avant tous les autres, à jouer la section “trois cordes” et, à mon signal, tout le groupe (c’est-à-dire les guitaristes, puisque le batteur et le bassiste jouent déjà) me suivra, TRÈS DOUCEMENT (!!!) d’abord, pour un crescendo de 16 mesures à 4/4 se terminant vraiment très FORT. (On aura donc un crescendo de 16 mesures sur trois cordes (E1/B/e2) faisant transition entre la section “une corde” et la section “trois cordes”.)
Nous jouerons la section “trois cordes” pendant un moment (à peu près 4 minutes), puis je commencerai, seul à nouveau, à jouer la section “six cordes”. À mon signal, nous recommencerons comme pour la section “une corde” : tout le monde me suivra sur six cordes, très doucement d’abord, puis pour un crescendo de 16 mesures jusqu’au volume maximum (c’est-à-dire putain-de-fort !).
Cette section, qui dure un certain temps, est amusante à jouer.
Après cette section “six cordes” et à mon signal, tout le monde cessera de jouer, exceptés le batteur et moi-même. Quand nous nous arrêterons (en laissant sonner l’accord ouvert de Em7, joué sur le premier temps), je continuerai à jouer très doucement sur une corde (mi grave), puis nous répéterons une nouvelle fois la structure ci-dessus, avec exactement les même signaux. Les différentes sections seront cependant plus courtes la seconde fois.
À la fin de la seconde partie, je donnerai un signal et nous jouerons un dernier accord sur le temps (je ferai comme ceci : “one… uh, two… uh, one, two, three four, accord final), que nous laisserons résonner jusqu’au bout.
Fin de la première partie. <applaudissements>
Après les applaudissement, je présenterai les musiciens, et annoncerai une autre pièce. En réalité, nous jouerons la même, EXACTEMENT la même… UNE FOIS DE PLUS ! Cette fois seulement, le batteur jouera sur la batterie complète. Et les diapositives de Robert Longo seront projetées.
L’expérience sera la seconde fois complètement différente et BEAUCOUP plus intense. La version des 20 premières minutes est généralement plutôt lyrique et (relativement) délicate, puisque le batteur ne joue que sur sa charleston. Avec la batterie complète, le changement est radical.
Je dois dire que la pièce a l’air BEAUCOUP plus compliquée à jouer décrite ainsi qu’elle ne l’est en réalité. Au XXIe siècle, cela ne m’a jamais pris plus d’une heure à enseigner G3 à la satisfaction générale et au confort de tous. Alors s’il vous plaît, ne vous faites pas de souci.
Note spéciale à l’intention du batteur :
Pour ce qui est de la première partie, jouée sur la charleston, tu peux commencer avec un beat de noires basique puis, petit à petit, sur les 20 minutes, l’amener vers un rythme plus complexe et maniéré, une sorte de solo de charleston à la Max Roach, par exemple. De toute façon, que la force soit avec toi, cela fonctionne toujours. Ne t’inquiète pas trop pour cette section, tu sauras instinctivement quoi faire.
Pour le second set, tape vraiment fort, mais d’une manière poétique. Le son de la caisse claire doit être GÉNIAL… J’aime qu’il y ait BEAUCOUP de breaks, alors sors tous tes breaks les plus improbables, c’est le moment de t’en servir ! Beaucoup de ride et de crash sur les cymbales. Entre nous, n’aie pas peur de faire ta star : ne te retiens surtout pas.
Ce que je suis en train de te dire, c’est que cette pièce est finalement une sorte de solo pour toi, d’abord sur la charleston, puis sur toute la batterie. Écoute l’enregistrement pour te faire une idée de ce que j’attends. La version enregistrée (David Linton), version ultime suprêmement inspirée, était cependant plus retenue en ce qui concerne les breaks que la version de Jonathan Kane (des célèbres Swans, qui a rejoint le groupe par la suite).
De toute façon, tu vois ce que je veux dire, je suis sûr que tu t’en tireras très bien.
Pour la seconde version, celle avec la batterie complète, j’aimerais juste que tu fasses tes entrées (au début de G3 et au break du milieu, quand les guitares cessent de jouer) à peu près comme dans l’enregistrement.
Note spéciale à l’intention du bassiste :
Écoute l’enregistrement pour te faire une idée de ce qu’il te faudra jouer. J’aimerais que tes entrées au début de la pièce et au break du milieu soient exactement comme celles de l’enregistrement.
Équipement souhaité:
G3 sonne mieux avec une Fender Telecaster ou Stratocaster, ou une G&L. Toutefois, il est à noter que les chevalets flottants ont tendance à affecter l’accordage et doivent être évités. Apportez si possible une guitare avec un son de type Fender. Si tout ce que vous avez est une Gibson (que nous aimons aussi, mais pour d’autres raisons), on n’en mourra pas.
Un accordeur électrique est nécessaire. Vous pourrez l’utiliser durant le concert au cas où votre guitare se désaccorde. S’il vous plait, empruntez-en un si vous n’en possédez pas.
Un médiator de calibre moyen est préférable, car G3 regorge de trémolos rapides. Je recommande VIVEMENT le Jim Dunlop de 60 mm (orange). C’est le médiator qui fonctionne le mieux pour cette pièce.
Un ampli d’au moins 100 W est préférable. Il doit avoir un son clair, car la distorsion ne fonctionne pas avec G3. Si le seul ampli 100 W que vous possédez est un Marshall, réglez le pré-ampli (“gain”) à 2 et poussez le “master” à fond. Pour vous donner une idée, j’utilise pour cette pièce un Roland Jazz Chorus 120. Ceci dit, n’importe quel ampli fonctionne du moment que son son est clair.
Les bassistes avec qui je travaille utilisent généralement un gros Ampeg ou Trace Elliott (de 400 W minimum).
Voici un tableau des signaux donnés dans cette pièce, vous pouvez le considérer comme la “partition” :
Partition
Section “une corde” :
1. Rhys et le batteur entrent ensemble (sans la basse) sur une corde.
2. Rhys fait entrer les guitaristes un par un.
3. La basse entre au signal de Rhys (dans la seconde version, le batteur amène son backbeat à ce moment-là).
4. Tout le monde joue sur une corde pendant un moment (environ 5 minutes au total).
Section “trois cordes” :
5. Rhys entre sur trois cordes (seul, alors que tout le monde reste sur une corde).
6. Au signal de Rhys, tous les guitaristes entrent sur un crescendo de 16 mesures sur trois cordes (de doux à fort).
7. Tout le monde continue sur trois cordes (3 minutes au total).
Section “six cordes” :
8. Rhys entre sur 6 cordes (seul, alors que tout le monde reste sur trois cordes)
9. Au signal de Rhys, les guitaristes commencent à jouer sur six cordes pour un crescendo de 16 mesures.
10. Tout le monde continue sur six cordes.
11. Le batteur attend le signal de Rhys. Au signal, il prend un solo de 32 mesures (entièrement constitué de breaks).
12. Tout le monde joue environ 32 ou 64 mesures (cela dépend) de plus après le solo de batterie, puis s’arrête au signal de Rhys ; l’arrêt est sur le temps (sur le “1”), tout le monde laisse son accord résonner jusqu’au bout. Apparaissent alors le batteur et Rhys jouant sur une corde (4 minutes au total).
Répéter l’ensemble une fois (les sections étant plus courtes la seconde fois).
Pour la fin de la seconde version, le batteur peut prendre le même solo qu’auparavant, mais doit ensuite terminer sur un backbeat vraiment entraînant (cf. l’enregistrement). Après 32 mesures, tout le monde finit sur le temps (Rhys décompte), et laisse résonner son accord.
Première version de 20 minutes: charleston uniquement.
Seconde version de 20 minutes: batterie complète + diapositives de Robert Longo.
Traduction © Sophie Pécaud
Score (English/French)