musical hierarchies & limits

Date: Thu, 21 Oct 1999 20:23:23 +0200

To: forumhub@onelist.com

From: Monsieur Rhys <monsieur.rhys@wanadoo.fr>

Subject: musical hierarchies & limits

[the forum is bilingual]

{francais} (complete english translation appears below the french)

rhys wrote:

>Before the modernist period, the big question was: "What can be said to be beautiful?". During the modernist period, we asked "What can said to be art?" (dada, serialism, Fluxus, minimalism, etc...) And in 1999, we're now back to asking the question: "What can said to be beautiful?"

My goodness, we have so many choices today, don't we?

In short, I am in favor of making a conscious rather than subliminal effort to use the new musical forms and extended vocabulary available to us, and to launch an investigation into the nature of this freedomitself.

et Jérôme Joy à repondu le 18 octobre 1999:

 

>>>salut l'ami rhys,

ta remarque est très intéressante et intérroge la situation musicale actuelle, son rapport à la modernité, la post-modernité, ou non?

propos des pertes de sens, par exemple.

à propos de la relation entre fascination et pratiques des technologies

à propos des pratiques des nouveaux mediums (cd, internet, concerts en

reseau, etc..)

et je pense qu'approcher des limites en musique est une chose très

importante...

jerome joy<<<

et Rhys à ecrit le 21 Oct 1999 20:23:23 +0200:

Salut Jérôme,

Tu as posé tellement de questions dans ton message que je ne peux répondre qu'à une seule pour aujourd'hui!

Pour moi, la dernière période de modernité a atteint son apogée et sa conclusion logique avec les minimalistes au début des années soixante (Conrad, Riley, Young), ce qui a réduit la complexité de la musique post-sérielle à ses significations les plus essentielles: un accord, un temps, un son.

Je ne veux pas débattre de cette question: si nous sommes actuellement dans une période post-moderne ou pas? Il est évident qu'il y a certains compositeurs qui font une musique post-moderne et d'autres pas. A chacun son choix. Si je veux composer un morceau exactement dans le style de Pérotin, je peux le faire. Mais si je veux construire quelque chose sur le modèle intellectuel de la période du modernisme qui a commencé au début du siècle (Debussy, Schoenberg, Webern, Varèse, Wolpe, Schaeffer, Xennakis, Boulez, Carter, Stockhausen, etc.), je dois évidemment construire selon les même règles de ce style, ou réagir contre.

Dans les années cinquante et soixante, on a catalogué les styles de musique comme la musique "sérieuse" (c'est-à-dire: musique contemporaine) le jazz et le rock bien sûr à des niveaux hiérachiques différents: musique "sérieuse" au sommet, le jazz en dessous; et le rock alors? Au début des années soixante on ne le considérait pas comme une vraie musique!

Aux Etats Unis et en Europe, dans la plupart des grandes institutions musicales ainsi que parmi les gens qui connaissent cette musique, ces limites et considérations se sont largement "(de)constructed" (déconstruites) à la fin des années 70 et au cours des années 80. Actuellement, ce que les gens disent en privé est leur propre affaire, mais je suis sûr que si des compositeurs ou théoriciens disent publiquement que la musique contemporaine est d'une manière ou d'une autre une valueur esthétique plus importante que, par exemple, le jazz, ou le rock ou bien le drum n bass, ils seront sûrement critiqués par la communauté intellectuelle. Du moins, je l'espère! Bien que je sois d'accord avec le fait que toutes ces musiques sont différentes, la plupart d'entre nous refusent la notion d'un style de musique plus évolué qu'un autre.

Ces questions de hiérarchie musicale énoncées, une autre question se pose aux compositeurs qui ont une formation musicale classique et contemporaine: que faut-il faire maintenant?" Nous nous trouvons dans une situation assez incoyable où nous sommes libres d'incorporer tous ces du jazz, rock, electronica et world music dans nos compositions, si nous le voulons. Alors, qu'allons nous faire de toutes possibilités jusqu'à l'an 2000 et au-delà?

Une solution serait de mettre en oeuvre une enquête sur la nature de cette liberté elle-même. Je pense, en général, que c'est plus facile à faire dans un contexte de rock ou techno que dans une situation académique.

Par exemple, si on veut faire une série de morceaux dans la tradition rock, jusqu'où peut-on pousser la limite de sa definition avant de cesser d'être rock, c'est-à-dire avant de devenir quelque chose de complètement différent?

Est-ce une question importante? Ou, comme Jerusha R. Kinbar a dit ( c.f. sa lettre du 17 octobre 99), ce n'est pas vrai que toutes les frontières de toute façon sont artificielles? Un public rock ne le penserait pas, car, si un groupe qui a l'habitude de travailler dans le milieu rock va trop loin à pousser la definition du rock, le public va sûrement réagir et jeter des canettes de bière sur le groupe, avec de la bière à l'intérieur, sans doute. Aïe!!! Attention!

La même chose est vraie avec le public du drum and bass, il est, en fait, assez conservateur lui-même.

Je suis tout à fait d'accord avec ce qu'Alexandra Hettergott a écrit concernant l'innovation assez importante des "techno kids" (cf son message du 20 octobre 1999). En tant que musicien-compositeur qui a travaillé avec le drum and bass et la techno française,il est evident pour que si j'ajoute une ligne mélodique avec une trompette, même avec beaucoup de distorsion, cette ligne mélodique changera complètement la signification de la musique échantillonnée; à tel point que ce morceau ne poura plus être indentifié comme du drum and bass. Alors c'est tellement facile d'être transgressif dans ce contexte-là!

Mais il est également possible de poser des questions similaires en musique contemporaine. Par exemple, je veux écrire une pièce pour un piano accordé dans une intonation pythagoricienne en utilisant les techniques de la musique aléatoire pour arriver à trouver les valeurs différentes des fréquences et durées. Elaborer une telle pièce dans les années 60 avarait été une hérésie, une contradiction horrible! Mais aujourd'hui, cette idée serait acceptée et vue d'un oeil intéressant...

Ce que je veux dire, c'est qu'une telle question ne peut être posée qu'après avoir acquis l'expérience et les leçons des 20 dernières années.

Et après tout, peut-être que nous ne sommes plus dans une période de postmodernité, mais plutôt post-post modernité (i.e. avant!!!).

Je suis complètement flexible par rapport à ce sujet, c'est à vous de répondre maintenant!

Amitiés,

Rhys Chatham

website: http://perso.wanadoo.fr/rhys.chatham/

(English translation)

Hi Jerome,

You posed so many questions in your last message, I can only deal with one of them today!

For me, the present period of modernity reached its apogee and logical conclusion with the minimalists of the early sixties (Conrad, Riley, Young), who reduced the complexity of post-serial music to its most basic signifiers: a chord, a beat, a sound. Where music went after this was anybody's guess.

I'm not interested in arguing whether or not we are now in a post-modern period in the composition of Western art music. Obviously, some people are and some people aren't. This is a personal choice. If I want to compose in the style of Perotin, there is absolutely nothing stopping me from doing so, but if I want to build on the intellectual exploration of the current period of modernity (Debussy, Webern, Varèse, Boulez, Carter, Xennakis, Schaeffer, Stockhausen, Babbitt, etc.) perhaps I won't, perhaps I will look elsewhere.

In the 50s and 60s, music was boxed into different categories: serious music, pop music, rock jazz, etc. There was also a hierarchy with serious music at the top, jazz somewhere below this, and where pop and rock was smiled upon and indulged as barely being worthy of serious consideration.

These barriers were largely dissembled during the late seventies and eighties in most academic situations as well as with the serious music loving public at large. What people say behind closed doors is their own business, but I am sure that we will all agree that any composer or theoretician who openly elevates music coming out of a Western classical tradition as somehow "higher" in aesthetic value than music coming out of an, for example, Asiatic Indian tradition or African-American tradition is likely to find him or herself castigated by the intellectual community at large. I agree that these musics are very different (music coming out of classical, jazz and rock traditions) and sometimes have mutually exclusive aesthetic concerns, but most of us refuse to go along with any notion that one is somehow "better" than another.

So now that we have dissembled these notions of musical hierarchy, what should those of us who are composers coming out of a classical tradition do next? We find ourselves in an amazing situation where we have not only the with tradition of Western music to work with and draw upon for our work, but we can also incorporate vocabularies coming out of jazz, rock, electronica and world music, not to mention the new technologies available to us. What do we do with this freedom in the year 2000 and beyond?

One solution would be to instigate an investigation into the nature of this freedom itself.

I have found this is easier to do within a vernacular context than in an academic one.

To use an obvious example, if one makes a set of pieces using a vocabulary coming out of the rock tradition, how far can one push its boundaries before it ceases to be rock? Before it becomes something entirely different?

Is this an important question? And anyway, as Jerusha R. Kinbar points out ( c.f. his letter to this list of 17 October 99), Aren't all musical boundaries artificial anyway? A serious hard rock audience wouldn't think so. For if a working rock band pushes the boundaries too far within a rock context, it risks being hit by the audience with pitchers of beer, with the beer still in them. Ouch! This is indeed a very real boundary!

The same is true of a drum and bass audience. They are actually quite conservative.

While I agree with what Alexandra Hettergott wrote concerning the, quite frankly, amazing innovation within the various fields of electronica (c.f. her message on this list of 20 October 1999), I have found, through my own extensive work within this field, that if one adds a fuzzed out trumpet to a drum and bass line, it will change the signification of the sampled music to such an extent that the piece will no longer be posited as drum n bass by this audience. It is so easy to be transgressive in this context! Yikes!

But it is also possible to ask these questions within an academic field as well. For example, what would happen if one tuned a piano in just intonation, but used aleatoric techniques to arrive at the rhythmic and pitch values? To make a piece like this in the 60s would be a contradiction in terms bordering on heresy, today it would be, well, interesting...

So my point for today is that, at least within an academic context, questions like these could only be posed after having been through the liberating experience of the past 20 years, where composers from all styles have been mixing both socially and professionally in a way that has never really happened before.

On the other hand, perhaps we are not in a period of post-modernism at all, but rather a period of post-post modernism (the past?)...

I have an open mind. What do you think?

Rhys Chatham

website: http://perso.wanadoo.fr/rhys.chatham/